Un visiteur se photographie dans une Infinity Room de Yayoi Kusama

Edito

Les art aficionados sont des consommateurs comme les autres, ils ne sont donc plus à un paradoxe près. A l’heure des influenceurs et autres écrans interposés, ils cherchent à voir mieux avec les yeux mais ne voient plus avec l’esprit. Autrement dit ils cherchent dans l’art et en pure abstraction ce qu’ils ne voient plus juste sous leurs yeux. Les musées traditionnels se débattent pour garder la tête hors de l’eau tandis que pullulent des musées à but lucratif offrant une expérience entre la maison hantée de Disney et un jeu de Playstation - oui ça à l’air cool je sais. Appelons ça des mallsées, entre le mall et le musée, parce que la différence fondamentale entre ces lieux et les anciens c’est l’intentionnalité commerciale. Et ce changement c’est aussi celui de la philosophie des institutions culturelles. On ne “sort” l’oeuvre d’un artiste que quand son public “est prêt à le consommer”, que l’artiste mérite de l’être ou non, que son propos soit nécessaire ou non, who cares ? Du service public à se servir du public c’est une super fine line, espérons que certains acteurs sauront accompagner l’avènement de ces nouveaux musées sans perdre de vue leur utilité et en ne laissant derrière que ce qu’il était grand temps de dépasser.

Share

🤔Réalité virtuelle : vrai musées ?

Contexte

L’article du New York Times nous parle d’un move majeur du monde de l’art vers la réalité augmentée. Ces lieux existent depuis quelques années avec des projets comme Superblue Miami - le projet de Marc Glimcher ; Fotografiska fondé à NY en 2019 qui proposait de voir une expo photo dans une ambiance de boite de nuit ; Meow Wolf à Santa Fe et son demi-million de visteurs en 2019 despite Covid ; Teamlab au Japon et ses 13 lieux d’exposition immersifs et l’atelier des lumières à Paris, la vf de tout le reste - je ne vois pas quoi en dire d’autre.

Même le Met s’y met un peu en lançant un jeu en partenariat avec Verizon permettant à ses visiteurs virtuels de voir une cinquantaine d’œuvres du musée en réalité augmentée et même d’« emprunter » une œuvre pour la faire « apparaitre » chez soi le temps d’un Insta. Bien deep.

Takeaways de l’article de Zachary Small (🔗NYT, Jan. 10th)

• Des musées à but lucratif offrent à leurs visiteurs des expériences immersives se créent un peu partout à l’initiative de marchands, d’artistes et autres.

• Des centaines de millions sont investis dans ces concepts à contre-courant de l’économie réelle tandis que les musées traditionnels risquent de fermer définitivement.

• Ces centres ont relativement bien traversé la crise grâce à la confiance de leurs investisseurs et proposent d’ailleurs de faire vivre l’expérience à la maison par téléphone etc.

• Mme Sangers directrice de la Museum Associations of NY s’inquiète que ces centres se définissent comme musées alors qu’ils n’ont ni projet éducationnel ni mission culturelle, les profits étant logiquement reversés aux investisseurs.

“ Still, Ms. Sanger acknowledged the for-profits’ appeal at a time when traditional museums are hurting. “I would think lots of museums and nonprofits would be envious that experiential centers have investors who are putting up their money.” “

Analyse

Décidément les musées sont en train de changer. Alors est-ce qu’il y a de quoi s’inquiéter ? Peut-être, oui. Si la logique capitaliste se mêle de culture elle aura tôt fait de la soumettre au lieu de la servir. D’autant plus dans un monde virtuel, la logique de la scalabilité entre en jeu. Il faut montrer un max de fois ce qui marche déjà, partout , pour renouveler toujours la même sensation ou sa déclinaison - un peu comme un Bordeaux avec une bonne note Parker. On montrait déjà partout dans le monde la même expo de Toutankhamon me direz-vous. Oui c’est juste mais ces objets avaient été créés par une civilisation spécifique, conservés par une seconde, amenés là par une troisième, exposés devant vous par les héritiers de toutes les précédentes. Dans un musée à but lucratif le risque est que les biens intentionnés fondateurs soient plus préoccupés de la façon de laquelle une oeuvre sera perçue que de délivrer un quelconque message.

💉 Philip Guston le vaccin anti-Trump

Contexte

Le Washigton Post revient sur l’annulation de l’expo Guston prévue à la National Gallery à Washington et reportée de peur que le public, notamment noir américain, ne prenne ses caricatures du Klu Klux Klan pour de l’appropriation culturelle – Welcome to the U. S. of A.

Guston est un artiste majeur du XXème siècle, fils d’émigrés ashkénazes ayant fui l’Europe de l’est, il grandit en lisant les premier comic books, étudie aux beaux-arts et devient artiste. Dans les années 60, 70, dans un monde vouant un culte à la peinture abstraite et malgré sa propre notoriété, il change radicalement de style pour dénoncer l’hypocrisie et la violence qui l’environnent. Il montre de petits escrocs, capuchonnés, ridicules, parcourir la ville pour y commettre leurs crimes. 

La décision a été prise rapidement après un gros débat avec les agents de sécurité du musée de Washington - non, ça n’est pas une blague. A la suite des nombreuses protestations, l’exposition a été reprogrammée pour 2023, longtemps après la prise du Capitol à laquelle le travail de Guston fait si justement écho.

Takeaways de l’article de Jonathan Smee (🔗Washington Post, Jan. 14th)

• Les tableaux de Guston dénoncent avec autant de force que d’humour des personnages capuchonnés, déguisés comme les membres KKK (tient ça nous rappelle quelque chose).

• Exposer ces tableaux si près du Capitol eut été un excellent pied de nez à la horde barbare qui a cherché à s’en emparer. 

• Dans les années 60 Guston qui était déjà un peintre ABEX reconnu s’est distancé des considérations qu’il jugeait éthérées et a risqué sa vie confortable et changé de style pour dénoncer ce qui autour de lui le révulsait.

• Si son choix de peindre la réalité est ce qui lui vaut aujourd’hui une si grande notoriété institutionnelle mais c’est ironiquement que ces institutions ont eu si peur de montrer.

• L’Amérique moderne n’aime pas montrer ce qu’elle a de laid, ses musées cherchent d’abord à édifier leur public se cantonnant à la naïveté hygiéniste de l’abstraction d’après-guerre. 

“ If culture is the best measure of who we are, it follows that art — if it wants to be credible — must be willing to register and reveal the worst. “

Analyse

L’hypocrite pudibonderie américaine est soumise à un rude examen de conscience avec l’émergence de Black Lives Matter en même temps qu’un mouvement de libéra(lisa)tion des carcans sociétaux est mené par le mouvement LGBTetc. Chacun de ces mouvements a ses artistes mais ils sont souvent conceptuels et esthétisants. Le fameux politiquement correct américain - ancêtre de la bienpensance - n’est-il pas devenu une novlangue de plus ? Jusqu’à museler un rescapé des pogroms qui, au lendemain de la Shoa, se révolte contre l’Amérique de la ségrégation. Tout ça pour ne pas vexer la communauté noire, communauté même qu’il a consacré la fin de la vie à défendre. Infantilisant ? A peine …

🧹“Tout le monde savait”

Contexte

Claude l’Evèque, artiste archi connu, représentant de la France à la Biennale de Venise en 2009, exposé à l’Elysée, représenté par Kamel Menour – donc sur les murs de la plupart des collectionneurs parisiens – est accusé d’avoir abusé d’enfants et de jeunes adolescents au moins depuis les années 70. Des accusations qu’un bref coup d’œil à son travail rendent parait-il tristement prévisible. D’ailleurs, on dit – comme d’habitude – que « tout le monde savait ». WTF ?

Takeaways de l’article de Naomi Rea (🔗artNews, Jan.14th)

• Claude lévèque est sous le coup d’une procédure révélée par Le Monde pour abus sexuels sur mineurs de moins de 15 ans dans les années 70. L’artiste nie en bloc.

• Kamel Mennour a délisté l’artiste de son site internet en attendant.

• Le MAMCO l’a décroché de ses murs et a annoncé maintenir sa décision quel que soit le dénouement de l’affaire.

Analyse

La dure réalité c’est que le public en général et le monde de l’art en particulier vit dans l’idée, supposément romantique, que leurs vices sont ce qui permettent aux artistes d’accéder à leur part d’ombre. L’alcool chez Bacon, la drogue chez Baudelaire, le sexe chez Tracy Emin, la passion chez Lippi ou la haine chez Céline. C’est la transgression, en tout cas, qui l’éclairerait dans toute sa violence. Violence que l’artiste peut ensuite nous restituer pour peu qu’il en ait le talent. Si les passions sont notre humanité et que l’art les sublime, veuillons à ne pas persister à penser que toute passion mérite d’être sublimée.

Subscribe now

Scène de vaccination sur un Mural de Diego Rivera, Detroit Institute, 1932

Quelques totems du monde de l’art sont en train de tomber à la faveur de la confusion permise par le.a. COVID. Du rôle des musées à la propriété des oeuvres jusqu’à la façon de les acheter beaucoup de ce qui était en gestation au cours des dernières années se matérialise en 2021.

Plusieurs directeurs interrogés quant au futur de leurs institutions nous parlent d’universalité du savoir, d’un rôle sociétal, d’un devoir de fraternité, de représentation du monde. Les musées de demain se prennent pour les écrivains du 19ème siècle et il se peut que leur public attendent d’eux tout autant. Ils doivent préparer demain en parlant un peu d’hier et surtout d’aujourd’hui. Dans ce nouveau modèle, car il est nouveau quoi qu’on en dise, les oeuvres accrochées aux murs des musées, dont les soeurs se vendent pour des dizaines de millions en salle de vente, ne sont plus que des chiffres : en garder autant sur les murs est presque indécent quand tant de choses sont à faire here and now. D’ailleurs quelle serait la place d’un musée traditionnel face aux galeries qui deviennent elles mêmes des musées comme la Pace à NY ou plus récemment Gagosian Gallery qui reprend l’éphémère espace Marciano ?

La mutation des maisons de vente continue. Si les mastodontes Xties et Sby’s voient leur chiffres d’affaires logiquement reculer en 2020, ils savent s’adapter. Plus online, plus de ventes, plus de collectibles, de sac, montres et autres bijoux, même des baskets 😂. Parallèlement au sein des galeries, les boutiques et librairies dans lesquelles se déclinent éditions et livres d’art à prix d’or se multiplient. Certaines projettent de lancer des chaines hôtelières (Hauser & Wirth), d’autres se contentent d’ouvrir plusieurs galeries dans une même ville comme une marque ouvrirait plusieurs magasins. Bientôt la transition du monde de l’art vers celui du luxe sera achevée et on remplacera un artiste mort par un directeur de collection pour qu’il continue de créer, avant, pourquoi pas, de remplacer un artiste de son vivant…

Face à tous ces changements la tentative de régulation de la spéculation menée par certains acteurs ressemble plus à du Don Quichotte qu’autre chose.

Subscribe now

🏦 Museum on Sale

Par l’équipe d’Artforum

L’Art Institute du musée de San Francisco envisage de vendre une fresque de Diego Rivera à George Lucas pour $50 M après une année difficile privée de frais de scolarité.

• La dette contractée quelques années auparavant est devenue trop lourde pour la prestigieuse école.

• Des travaux d’expansion engagés quelques années plus tôt sont la principale cause du déséquilibre financier.

La news n’a rien de surprenant et arrive dans un contexte de remise en question plus globale du rôle des institutions du monde de l’art et de la place qu’y tiennent les oeuvres (ou de la place qu’y tiennent les oeuvres qui valent beaucoup d’argent). En 2020  l’Everson Museum of Art a vendu son Pollock (et vient de commencer à faire ses emplettes), le Baltimore Museum a vendu un Marden, un Still et un Warhol, le Brooklyn Museum un Courbet etc. Une tendance qui devrait logiquement se confirmer en 2021. Qui veut la Joconde ?

📱Millenials make it click

Par Kelly Crow

Les maisons de vente ont tout misé sur l’online cette année, réalité augmentée, plateau digne de la télé, on se serait cru dans une version d’eBay sous stéroïdes. Si rien n’a pu empêcher la baisse de leur chiffre d’affaire - leur corrélation à la réalité reste le grand malheur des acteurs du marché de l’art - force est de constater qu’ils se sont plutôt bien adaptés notamment en boostant considérablement leur département de Private Sales et en démultipliant les ventes luxes et collectibles. L’instant cliquant des Millenials a beaucoup joué cette année pour limiter la casse, comme la très logique surreprésentation des acheteurs asiatiques.

• Xties et Sby’s réalisent chacune plus d’1 Mlds de Private Sales, un record.

• Les CA baissent tout de même Sby’s -12%, Xties -22%, Phillips -11%

• Les clients asiatiques sont ceux qui ont le plus soutenu le marché cette année, dépassant les achats des clients US chez Xties et raflant un tiers des plus gros lots chez Sby’s.

• Les articles de luxes sont facilement comparables online et plus accessibles.

“Amy Cappellazzo, chairman of Sotheby’s fine art division, said the number of under-40 collectors bidding at the house doubled last year, with many hailing from the technology industry. The majority are comfortable bidding by app, rather than on the phone. Millennials seldom even ask to see condition reports, she said.”

Voilà longtemps que les ventes online sont considéré comme le futur de l’industrie, même si je suis un peu déçu que personne n’ai encore organisé de vente avec un casque de réalité virtuelle, ça ne saurait tarder. Same pour la surreprésentation asiatique attendue reflétée par l'alliance entre Phillips et Polly Auction entre autres. Ce qui est plus intéressant c’est le shift assumé et marketé des maisons de ventes vers le modèle de revendeur de produits de luxe en général. 

✍🏿 No Flippers Allowed

Par Eileen Kinsella

C’est l’expo du futur. La prometteuse curatrice Destinee Ross-Sutton (on va dire DRS) à l’origine de shows dédiés aux artistes noirs - concept impensable au pays des droits de l’Homme et de la françafrique - lance une nouvelle exposition à NY en s’attaquant à deux tabous supplémentaires : elle donne la priorité aux collectionneurs noirs et force la signature d’un contrat de non-revente pour empêcher la spéculation.

• Cette été DRS a curaté une expo très remarquée et sold-out (c’est pareil) chez Chrities “say it loud (i’m black and proud)”.

• Aujourd’hui l’art-symbol de 25 ans lance une galerie nomade en commençant par un show dans l’ancienne galerie de Paula Cooper à Chelsea (750 m2 quand même).

• Le contrat de non-revente stipule l’interdiction de mettre l’oeuvre aux enchères pendant 5 ans, un droit de préemption par l’artiste et en dernier recours la redistribution de 15% des profits à ce dernier.

“The show aims to counter imagery of Black suffering, oppression, and hardship with images of Black people engaging in rest, wellness, self-love, and introspection. “In the many instances where others attempt to deny us simple pleasures, we are encouraged to deny ourselves,” Ross-Sutton said in a statement about the show.”

Même si les contrats de non-revente existent déjà, DRS en fait un engagement de redistribution plutôt qu'un acte punitif. Bas les masques donc et il y a fort à gager que la prochaine avancée tentera de contrôler l'oeuvre au fil de plusieurs transactions de suite, certains acteurs de la blockchain planchent déjà dessus.

Subscribe now